"Kika" de Pedro Almodóvar.

Una de las peores producciones mal logradas del director español.

Fausto Carámbura*

A pesar de estar catalogada como una película de comedia llena de humor negro y sexualidad, “Kika” (1993) es a mi juicio, una de las peores (si no es que la única) producciones mal logradas del director Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, España; 1949).

El tratamiento de la cinta es bastante simple. No se ve calidad en el desarrollo temático, el humor negro que se presume, se hace evidente en cada uno de los diálogos, deja mucho qué desear por la insignificancia en el guión, realizado también por Almodóvar.

“Kika” protagonizada por Verónica Forqué, quien además participó en “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984) del mismo director, es una maquilladora alegre e independiente que debe lidiar con diversos personajes que aparecen en su camino. Los hay desde un escritor y periodista estadunidense que acaba de terminar su primera novela en español titulada Me enamoré de un farsante, el hijastro de éste, en apariencia muerto de un paro cardiaco, y un fugitivo verdaderamente tonto y con tendencias sexuales extremas. Los 110 minutos de desarrollo en el film, se reducen a 10 o 15 minutos de diversión e intriga… lo demás es sólo relleno.

En realidad, de la película no hay nada más qué decir. El género, que se advierte como “dramático”, no tiene nada de conmovedor, trágico  o emocionante, al contrario, se perfila como una parodia malograda de sus anteriores trabajos. Incluso el Premio por Mejor Actriz de la cinta “Kika”, otorgado por el festival Goya en España, no es de mayor trascendencia por ser un premio independiente concedido al mejor trabajo histriónico y no a la mejor película o al mejor director.

Me intriga pensar que Almodóvar se haya arriesgado a dirigir esta cinta de poca monta, si su sello cinematográfico por naturaleza es único: historias innovadoras de carácter categórico como la homosexualidad, la doble moral, la muerte y las adicciones.

Para quien le quede dudas, le sugiero que la vea. Se llevará una terrible sorpresa. Y para quien no esté preparado, le recomiendo: “La piel que habito” (2011), “La mala educación” (2004), “Hable con ella” (2002), “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984), “Carne trémula” (1997) y “La ley del deseo” (1987), todas de Pedro Almodóvar y a mi consideración, de excelente manufactura cinematográfica.

“Los 400 golpes” de François Truffaut

Doinel, puede vivir entre la gente y dejarse vencer por un sentimiento de aislamiento total, cuyo resultado es un estado de rebeldía. 

Fausto Carámbura* 

La cinta “Los 400 golpes” (1959) dirigida por François Truffaut (París 1932-1984), da ejemplo de la calidad cinematográfica que se gestó en Francia allá por los años 50. Con este largometraje se subrayan los factores adversos y compasivos en su proceso social, especialmente a los que conciernen al carácter del hombre y su autonomía de una sociedad insensible con el drama humano, además de que inauguró la “Nouvelle Vague” con el que ganó en ese mismo año el Festival de Cannes con el Premio al Mejor Director, Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Película Extranjera, Premio del Sindicato Francés de Críticos de Cine (1960) a la Mejor Película, entre otras nominaciones. 

“Los 400 golpes”, con ceñidas características autobiográficas de su director, plasma en el papel de Antoine Doinel, a un niño fundamentalmente solitario, que en esencia, sufre cambios en la medida que la sociedad ejerce una mayor presión sobre su transición natural, obligándolo así a una mayor exaltación de su visión general del mundo. La familia, por ejemplo, vista como un estandarte, ícono de la unión y la devoción, se representa en la cinta como desvalorada y desestructurada gracias al desapego de sus padres Julien y Gilberte Doinel. 

Su desarrollo, fundado sobre el supuesto problema de conexión del niño con la sociedad y no del problema de insatisfacción y frustración consigo mismo es un elemento impredecible. Truffaut lo advierte una y otra vez con repetidas tomas donde Doinel se comporta como un niño arrebatado: lo hace evidente tanto en su casa, con sus padres; en la escuela, con su maestro y sus compañeros, y en la calle con las personas con quien se topa. Antoine Doinel puede sentirse solo, sin embargo eso no le impide estar relacionado con ideas y valores que le proporcionan un sentimiento de comunión y pertenencia. Por otra parte, puede vivir entre la gente y dejarse vencer por un sentimiento de aislamiento total, cuyo resultado es un estado de rebeldía.

 El nombre “Los 400 golpes”, es una representación simbólica de las incidencias que se desarrollan en la vida del niño. Una difícil etapa donde siente su insignificancia y pequeñez en comparación con el universo y con todos los demás que no sean él. Sin pertenecer a ningún grupo, sin que su vida posea algún significado y dirección, se sentirá como una partícula de polvo por la pequeñez de su individualidad, por la desatención de sus padres, demostrada con la confesión de la madre de ser un niño “no deseado”, por el despertar de la pubertad y el deseo de independencia, que se resumen en sólo dos palabras: estragos juveniles. 

La música producida por Jean Constantin, va casi de la mano con los acontecimientos donde se desarrolla algo extravagante, triste o desmesurado. El tintineo de las notas, sin pensarlo, se volvió característica inseparable en Truffaut; le proporcionó a las locaciones de París un ambiente menos lúgubre e irritable. Otra particularidad que se logra visualizar en la cinta, es el apego con la Literatura. Por ello no es incidental que el niño Doinel, mientras permanece acostado en su cuarto fumando, presuma frente a las cámaras el libro de su conciudadano Honorato de Balzac, “En busca de lo absoluto” y por azares del destino, como tarea del profesor, se le ocurra en la escuela describir la muerte de su abuelo tras recordar el final de la mencionada obra: “¡Eureka! Lo he encontrado”. 

El camino que subraya el final de la película es asombroso. Postrado en la Correccional para Menores Delincuentes, tras el robo de una máquina de escribir en la oficina donde trabaja su padre, decide después de días de retención fugarse con un fin particular: conocer el mar. El paisaje que acompaña los cuatro minutos, 11 segundos de rodaje, es diverso. Se le ve a Antoine Doinel traspasando alambradas, brincando hojas secas, evitando surcos, trastabillando con piedras, bajando veredas y al final caminando a la orilla del mar con su mirada centrada en el objetivo de la cámara. Un final inmediato e incierto. 

Para los amantes de los clásicos cinematográficos, un largometraje que no deberían perderse.

"Persona" de Ingmar Bergman.

La cinta realiza una exposición entre dos personas aparentemente diferentes de un rol social pero iguales en su contenido existencial.

Fausto Carámbura*

“Persona” (1966) es una película dirigida por Ingmar Bergman (Suecia 1918-2007)  y a mí consideración una de las más paradójicas de este director.  En ella se refleja el vacío existencial, la voluntad como principio motor de todo y la explicación de manifestaciones a través de nuestras experiencias más amargas. La cinta realiza una exposición entre dos personas aparentemente diferentes de un rol social pero iguales en su contenido existencial, dos mujeres, una enfermera y una actriz que, sin entenderlo, se van convirtiendo en un sólo elemento.

El argumento de la cinta, en apariencia, es muy certero: Elisabeth, una conocida actriz se queda sin habla y es ingresada a un hospital para su “recuperación”. La valoración de los médicos indica que no está enferma, aunque continúa sin decir palabra alguna. Su tratamiento consiste en trasladarse junto con su enfermera, Alma, a una isla para su recuperación, sin embargo, el problema se hace aún mayor cuando Alma comienza a aferrarse sólidamente del silencio de Elisabeth poniendo en tela de juicio “su enfermedad” y enmarañándose en una trama donde ambas no entenderían cómo salir.

El film, a pesar de ser complejo, plantea difusamente la falta de interés de la actriz por hablar, como una postura ante la vida, no así de la enfermera que gradualmente va perdiendo la cordura derivado de sus pensamientos y confesiones más siniestras; la construcción de sus ideas sin sus propias determinaciones ajenas a sus deseos de expresarlo. El enfrentamiento existencial de estas dos mujeres irrumpe traumáticamente en algunas escenas, imponiendo la presencia de ambas, como un límite que marca el anhelo de cada una a la otra.

Bergman propone en la película “Persona”, la idea del otro como semejante, idea representada en sentimientos, posturas y anhelos, quizá no asimilados en su totalidad, pero con pequeños resquicios de conjeturas. Cuando el deseo de la enfermera por saber de la vida de la actriz es tan relevante, el reconocimiento de su persona resulta tan legítimo como el reconocimiento ajeno, y es ahí cuando se establece una relación autorreferencial.

La representación de esta otredad, sugiere una disponibilidad para alojar la costumbre a una categoría más concreta: la posibilidad de un encuentro… la posibilidad de la experiencia en aspecto y representación, en concreto: cuando la proximidad entre ambas mujeres se generó, operó como un obstáculo.

Ingmar Berman nos da cátedra de esta cinta con gran innovación y alto grado de experiencia. Visualmente esplendida, recomendable y eso sí, altamente enigmática.